Один взмах кистью и вот уже течёт река, растут деревья и клубятся облака. Художник не торопясь заполняет холст мазками краски и получается прелестная картина! Легко и просто!

О, как ошибаются такие люди! Ведь сами художники не зря называют свой труд «сладкой каторгой». Кисть – это древнее изобретение человека и на самом кончике кисти всегда находится сердце художника.

И как многообразно меняется положение этого кончика: вправо-влево, лёгкое касание, среднее, сильное. Сколько набрать краски? Много? Чуть-чуть? Какие цвета смешать и какой придать им оттенок?

К примеру взять написание портрета. Как много внимания, старания, наблюдательности и терпения надо иметь, чтобы портрет имел сходство с изображаемым, а ещё и передать настроение, характер!

Рисуя, художник весь уходит в работу. Он буквально живёт, дышит своим произведением. Мучаясь часто от того, что не может воплотить задуманное, он забывает о сне, о пище.

Илья Репин закрывал дверь в комнату, где работал над картиной, на ключ и никто не смел отвлекать его в течение дня. Сутками он мог работать, ночами, и только пищу позволял передавать ему через окошечко в дверях. Его изумительные полотна – это результат серьёзнейшего труда, напряжённого, порою действительно каторжного.

И прав тот, кто сравнивает труд художника со слаломом, спортом очень напряжённым, требующим от спортсмена сочетания таких качеств, как предельное внимание, точность и быстрота движений. Те, кто любит горные лыжи, знают, как непросто победить в соревнованиях, сколько упорства, настойчивости требуется для этого.

И труд художника с его животрепещущей кистью, и спортсмен, стремительно летящий на горных лыжах – из одного общего порядка – это очень напряжённое занятие, это очень не просто!

Но в дальнейшем необходимо было выбрать что-то одно и выбор был сделан. Это оказалась хореография, так как Полина учла трудности того времени: ведь началась первая мировая война. Девушка решила, что танцы могут принести в дом достаток и стала заниматься в хореографическом училище.

Одновременно она ходила в художественную студию, где увлекалась лепкой. Вылепленные ею фигурки животных и людей всегда были очень выразительны, они были полны движения и заключали в себе определённое настроение, состояние души.

Когда ей исполнилось девятнадцать лет, она была уже профессиональной балериной. Приехав в Москву, она поступила в Высшие хореографические мастерские для совершенствования своего мастерства в танце. Но одновременно занимается и во ВХУТЕМАСе по классу скульптуры.

Закончив мастерские, Полина становится режиссёром-балетмейстером и много ездит по городам страны. Она ставит спектакли, танцует сама. Успех и известность сопровождают её теперь повсюду.

Имя «Полина» превращается в оригинальное сценическое имя «Лина По». И вдруг страшная болезнь в 1934 году. Полную сил, талантливую женщину, парализовало и она перестала видеть.

Два года Лина лежала в больнице. Руки и ноги постепенно пришли в норму, но зрение было навсегда потеряно. Однажды в больнице Лина из кусочка хлеба вслепую вылепила мышонка.

Мышонок получился настолько натуральным, что медсестра, вошедшая утром в палату, приняла его за настоящего и испугалась. Доктора рекомендовали Лине заняться лепкой для разработки пальцев и мышц рук.

Ей приносили пластилин, глину и, положив на грудь дощечку, Лина лепила зверьков и куколок для лечившихся в больнице детей. Она рада была быть полезной людям и, выйдя из больницы, с трудом передвигаясь, испытывая сильные боли, стремилась всё время лепить и лепить.

Она верила в то, что сможет создавать настоящие творческие работы, ведь и художник Репин, когда отнялась его правая рука, научился писать левой. А оглохший великий Бетховен продолжал сочинять изумительную музыку. Знаменитый актёр Остужев, потеряв слух, продолжал свою блестящую игру на сцене. Французский художник Шарден писал свои гениальные натюрморты уже полуслепым стариком…

Очень волновалась Лина, когда показала свои статуэтки художнику М.В.Нестерову. Этот человек был очень требовательный к оценке всякого произведения искусства. Он долго рассматривал её работы, а затем торжественно объявил: «Вы будете скульптором!». И после этого часто стал бывать у неё, помогал ей дельными советами.

Началась новая жизнь Лины По – вся в настоящем творчестве. Лина была очень трудолюбива и привлекала к себе множество людей своим открытым, оптимистическим характером. До смерти оставалось 12 лет и в эти годы вошёл период Великой Отечественной войны, когда Лина была эвакуирована в Уфу.

Там она плела маскировочные сети для танков и лепила выразительные скульптуры на военную тему. Болезнь часто обострялась, мешая работать, но в эти тяжёлые годы Лина По создала произведения, воспевающие подвиг солдата, труд и мужество людей в тылу, радость победы.

Не сохранилось никаких записей Лины По о процессе её работы, но есть её устный рассказ: «Мои скульптуры рождаются двояким образом. К первому я отношу те, которые подолгу вынашиваю в сознании. Замысел их рождается под впечатлением либо прослушанного чтения, либо музыки. Месяцами я обдумываю замысел, подыскиваю нужный персонаж.

После этого начинается главное: я стараюсь представить зрительный образ задуманного произведения. Когда он встаёт передо мной, начинаю мысленно лепить его из воображаемой глины. А потом повторяю в материале то, что уже было «сделано» мной в воображении.

Другой способ – это как бы мгновенное озарение: обычно во сне мне видится уже готовый яркий образ, который наутро я спешу вылепить в глине. Здесь возможен только один сеанс, больше я уже не возвращаюсь к этой работе и она уходит из моего сознания…».

Лина работала часами не выпуская произведения из рук и очень сердилась, если её отвлекали. Одной рукой она мяла глину пальцами, ногтём мизинца отделывала мелкие детали, а другой рукой проверяла сделанное. Работа велась снизу вверх, наблюдать за ней было необычайно интересно.

Любила работать ночами, когда никто не мешает. В начале творчества величина произведений была небольшой, но затем портреты стали почти в натуральную величину. Она постоянно совершенствовала своё мастерство и, часто бывая в музеях, осязанием изучала образы скульптур, просила сопровождать её обследование грамотным объяснением достоинств и особенностей скульптур.

Размером немного меньше полуметра бюст Пушкина находится в Ленинграде, в квартире-музее А.С.Пушкина. Эта работа Лины По поражает не только внешним сходством, но и передачей настроения поэта, его взволнованности. Не всякому зрячему скульптору удаётся создать такое характерное произведение, а то , что это рождено под пальцами слепого человека, просто удивительно!

Лине давно хотелось вылепить молодого Чехова, но она не помнила ни одного такого его портрета. Усилием воли ей удалось воссоздать в сознании нужный портрет. Потом, увидев портрет Чехова во сне, решительно принялась за работу.

Чтобы убедиться в сходстве портрета с оригиналом, Лина пригласила жену Чехова Ольгу Леонардовну Книппер-Чехову и попросила посмотреть её работу. Ольга Леонардовна восприняла эту работу как встречу с юностью, увидев Антона Павловича очень похожим и таким молодым. Восхищение её выразилось в том, что она заплакала…

Лина По умерла в 1948 году. Писатель М.М.Пришвин написал о ней: «Она была борцом за достойную жизнь здесь, на земле… Что может быть больше того, чтобы слепая давала свет людям…». Многие работы Лины По имеются в музеях Москвы, Ленинграда и в других городах. Её искусство всегда интересно и несёт людям радость.

Рисование пришло к нему как увлечение: рисовал крестьян из своего села, хатки, крытые соломой, портреты своих близких. Похитонов не получил специального художественного образования и учился самостоятельно. Начинал с копирования рисунков и гравюр старых мастеров. Учился на лучших произведениях русского и украинского искусства 19 столетия. Первый раз «вживую» увидел Похитонов настоящие картины в 1878 году, посетив Пятую Передвижную выставку в Одессе.

К этому времени он уже твёрдо решил стать художником. Систематически работает на пленэре, наблюдая тончайшие градации света и цвета в природе. Точно следуя натуре в пейзаже, художник всегда вносит в картину своё эмоциональное поэтическое толкование. В начале 1870-х годов Похитонов из-за тяжёлой болезни был вынужден уехать за границу. После лечения в Италии он переезжает в Париж.

В это время в Париже работали посланные Российской Академией молодые художники: Репин, Поленов, Васнецов, маринист Боголюбов. Иван Павлович подружился с ними и дружба эта оказалась на многие годы. Сформировавшееся мировоззрение привело его затем в Товарищество передвижников. Постепенно выработался свой почерк: точный рисунок, ювелирная проработка формы, красота и свежесть колорита.

Мастерство Похитонова росло. Живя во Франции, он увлекался искусством Коро, восхищаясь изысканностью и конкретностью формы, жемчужно-серой цветовой гаммой. Влияние этого мастера прослеживается в пейзажах Похитонова этого периода. Свои картины Иван Павлович выставлял в Салоне на Елисейских полях и Парижская критика отметила их как «значительные вещи безусловно талантливого художника».

У Похитонова была оригинальная техника выполнения картин. Для своих картин он выбирал подходящие маленькие дощечки красного или лимонного дерева, закреплял оборотную сторону поперечными планками, чтобы дощечки не коробились, покрывал их густым слоем тёмной мастики и в таком виде выдерживал их несколько лет.

Выдержанную дощечку Похитонов покрывал слоем белого грунта, давал ему просохнуть, шлифовал и начинал писать. Время от времени он отставлял картину для просушки нанесённых мазков. В нужных местах подчищал и снова писал.

Такой системой письма он добивался тончайших красочных оттенков, его картины светились, как драгоценные эмали. Художник пользовался кроме тонких кистей, скальпелей и мастихинов ещё и лупами, всевозможными измерителями.

На первый взгляд его картины очень маленькие и скромные, но чем дольше вглядываешься в них, тем сильнее изумляешься. Миниатюрные картины словно увеличиваются до монументальных размеров. Почти физически ощущаешь запах трав и листвы, вдыхаешь свежий воздух, слышишь звенящую тишину бескрайней степи. Похитонов очень любил изображать зиму. Его лучший пейзаж в этой теме размером 24,5 х 36 см. «Зимние сумерки на Украине». Серебристые краски, прозрачная воздушность, необыкновенная лиричность и задумчивость в этой картине покоряет зрителей.

Что бы ни писал Похитонов: весну, лето, осень, море ли, портреты – везде он добивался предельной выразительности изображаемого. У него чудесные картины, о чём постоянно напоминала критика. Его портреты тоже в числе лучших произведений на передвижных выставках, где он регулярно выставлял свои работы, начиная с 1890 года. А ведь на этих выставках выставляли портреты и такие великаны живописи, как Репин и Крамской!

И.С.Тургенев в конце 1882 года сообщал, что Похитонов работает над его портретом: «Удивительно выходит – удачно и похоже. Это – мастер.». Позднее от Тургенева о художнике узнал и Лев Толстой. Похитонов приезжал в Ясную Поляну и жил там два месяца. В результате им были написаны несколько изображений Толстого и показаны на выставке 1911 года в Москве.

Газета «Биржевые ведомости», сравнивая портреты великих художников и Похитонова, писала: «Право, похитоновская миниатюра не уступит им в смысле духовного проникновения, а о технике и говорить нечего. Техникой можно любоваться часами…». В настоящее время картины Похитонова украшают разные музеи на Украине и в России. Вот некоторые из них:

«Тру-Луэт. Зима» — 25 х 18,5 см;

«Хутор среди полей» — 15,5 х 26,8 см;

«Рыбак» — 17 х 26,7 см;

«Жатва» — 17 х 25 см;

«Окраина Парижа» — 23,5 х 25,5 см;

«Усадьба» — 15,7 х 26,8 см;

«Околица в Жабовщизне» — 12 х 18 см;

«Двор замка» — 27,6 х 35 см.

Творчество мастера оказало влияние на развитие дарования украинских пейзажистов Петра Левченко, Сергея Васильковского и других живописцев. В письме к П.М.Третьякову Похитонов писал: «Не хочу определять художественную ценность своих картин, но ручаюсь, что она остаётся неизменной.». Эти слова оказались пророческими.

Умер художник в 1923 году.

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Знаменитый скульптор Роден часто пользовался услугами патинировщиков для придания бронзовой скульптуре нужного оттенка. Вот как описывает этот процесс его современник: патинировщик предварительно протирал бронзу нашатырным спиртом и смачивал её поверхность раствором медного купороса, от чего скульптура принимала зелёный оттенок.

После этого бронза смачивалась железным купоросом, придававшим металлу красный цвет. Эти два покрытия на металле обрабатывались нашатырным спиртом, так что оттенок становился лиловым. Наконец, бронза прогревалась паяльной лампой.

На монетном дворе Петербурга в конце 19 века патинирование медалей делалось так: 500 грамм медной зелени (ярь-медянка) и 475 грамм измельченного нашатыря растворяли в 100 граммах уксусной эссенции, затем добавляли два литра воды. Медали кипятились в этом составе 15 минут.

Патины отличаются по цвету и по оттенкам. Наиболее распространён тёмно-зелёный цвет. Бывают патины и коричневого цвета, которые являются наиболее прочными. Прочны патины и чёрные. Оттенки патин разнообразны: например, коричневые патины имеют желтоватые, красноватые, зеленоватые и другие оттенки. Также отличаются они по светлоте: светло-коричневые, тёмно-коричневые, а также прозрачные, блестящие, матовые и так далее. Зелёные и голубые патины имеют оттенки: бирюзовые, синие, серые, изумрудные, желтоватые и другие.

Кроме благородных патин существуют и вредные патины, которые разрушают металл. Например, дикая патина, ярко-зелёного цвета, которая образуется на металле в условиях высокой влажности (в приморских городах, например) и в результате сильной коррозии медные сплавы превращаются в рыхлую рассыпающуюся массу. Поэтому при сооружении памятников применяют для патинирования такие составы, которые не содержат хлористых соединений.

Технология патинирования подбирается индивидуально к разным предметам из бронзы, меди и латуни. Важно знать, где будут изделия находиться: в помещении или на улице, на какой высоте, при какой влажности.

Способы патинирования различные: химический, масляный, в автоклаве, в углекислом газе, с погружением в раствор, смачиванием поверхности и так далее. В конечном итоге получаются изделия с красивым и прочным покрытием.

Существует много руководств и методик для декоративной отделки изделий из металла. Рекомендую хорошую книгу по этой теме: Одноралов Н.В. «Декоративная отделка скульптуры и художественных изделий из металлов» — Учебное пособие. М.: Изобразительное искусство, 1989г. – 208 с., илл.

Рудольф Второй очень любил всё экзотическое, загадочное, парадоксальное. Картиной «Вертумн» он был восхищён и наградил 64-летнего художника титулом пфальцграфа. Вертумн – этрусское божество садов и обработки земли. В картине это существо очень похоже на короля Рудольфа Второго. Виртуозно переданы плоды, овощи и цветы, удивительно броские и декоративные.

До нашего времени дошли картины двух его циклов: «Времена года» и «Стихия». Эпоха, в которую творил художник, имела главную идею – идею о живом космосе. Времена года и стихии сопоставлялись с процессами, происходящими в организме человека. Ветер – дыхание, гром – речь, восход солнца – улыбка, осень – средний возраст, зима – старость и так далее. В картинах Арчимбольдо всё это ясно читается. Из цикла «Времена года» в работах «Весна», «Лето», «Осень», «Зима» ярко выражены соответственные темы.

В полотне «Лето» торжествуют яркие краски, здесь царствуют груши, золотистые колосья пшеницы. В полотне «Весна» раскрывается тема рассвета, юности. Краски нежные, как на утренней заре под первыми лучами солнца. В полотне «Осень» тема среднего возраста, где осенние плоды освещены заходящим солнцем. Всё славит обильный урожай. Тема картины «Зима» выражена в образе старика, кутающегося в сплетённую из соломы накидку. Образ ствола сухого дерева подчёркивает тему увядания.Знаменитый Парацельс когда-то говорил: «Дерево – то же тело. Его кора подобна коже, ветви – волосам. Оно благоухает цветами и плодами и, подобно человеку, способно слышать, видеть, ощущать.».

В цикле «Стихии» художник так же точно характеризует состояния природы. Холст «Вода» решён в холодной гамме, обитатели воды изображены с предельной достоверностью. Восхитительна картина «Флора», она полна разнообразнейшими цветами, все эти нежнейшие лепестки сливаются в загадочный женский образ. Этот холст вдохновил поэта Г. Команини на такой мадригал:

«Тысячи цветов, одна Флора.

Живые цветы, живая Флора.

Но если из цветов составлена Флора,

А из Флоры – цветы,

Понимаете ли Вы, как это получилось?

Цветы в Флору

Художник мудрый превратил,

А Флору – в цветы.»

Джузеппе Арчимбольдо носил придворный титул «Мастер Празднеств». Так же, как и знаменитый Леонардо, он изобретал и строил разные гидравлические механизмы, музыкальные автоматы. Например, его современники описывают «цветовой клавикорд», в котором звуки соответствуют тому или другому цвету на специальной шкале, составленной художником.

Его картины имели огромный успех, но не все понимали главный смысл его произведений. А поэтому многочисленные подражатели усвоили лишь внешние его приёмы. Масса картин, похожих на произведения Арчимбольдо, наводнили в 17 веке Италию, Францию, Голландию и другие страны Европы. Но они не обладали глубиной мастера и были все заслуженно забыты.

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Психические сдвиги были и у знаменитых художников — Гогена, Тулуз-Лотрека, Ван Гога, но их аутсайдерами назвать нельзя, они были связаны с профессиональным художественным миром: выставлялись, продавали свои работы. А аутсайдеры взяли в руки кисть, нуждаясь в самовыражении и не помышляя о том, что их работы представляют собой какую-нибудь ценность. Для своих произведений они используют иногда случайные материалы: осколки посуды, старые грампластинки, нитки, создают странные скульптуры, вышивают. А потом эти работы пылятся где-нибудь под кроватью в углу и, случайно найденные коллекционерами, становятся интереснейшими экспонатами музеев.

В мире насчитывается около 400 галерей и музеев аутсайдер-арта. Есть и в Москве Гуманитарный центр-музей творчества аутсайдеров. Интересна история появления картин глухонемого Лобанова, который более 50 лет провёл в «психушке». Больной отличался крайней агрессивностью, но когда ему дали бумагу и карандаши, он  полностью погрузился в творчество, стал спокойным и контактным. Его специфическая графика является гордостью и украшением музея в Москве.

Ещё в 1924 году Российская академия художеств провела исследования искусства душевнобольных людей. Были сделаны следующие выводы: «Люди, кажущиеся на первый взгляд типами патологическими, являют собой истинное творчество. … Лишь люди с неустойчивой нервной организацией идут впереди человечества и дарят нас своими интуитивными прозрениями.».

А вот некоторые примеры творчества художников-аутсайдеров:

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Твёрдое убеждение Ефима о «необходимости одухотворить жизнь» отражалось в тематике его картин. В картинах царствуют идиллические сценки, жизнь, полная благопристойности и осознания высокого предназначения человека. Каждый в этой фантастической жизни ощущает насущную потребность в самоограничении, в бескорыстной коллективной работе.

В 1917 году Честняков с увлечением начинает работать преподавателем художественной студии. Затем у него возникает идея создать детский сад в Шаблове. «Зажечь огонь духовности в каждом человеке, сформировать духовную сущность людей, чтобы они могли постичь мир во всей его красоте и глубине», — писал он.

Шабловские мужики с удовольствием помогали Ефиму в устройстве школы. И дела шли успешно, как впоследствии вспоминали бывшие ученики. Дети учились рисовать, лепить, участвовали в театральных постановках, играли на различных музыкальных инструментах, которых у Ефима Васильевича было множество и многие из которых он делал сам.

Но примерно в 1925 году прекрасное начинание было уничтожено постоянными конфликтами с пролеткультовским чиновничеством. Праздники, которые были близки народу и из поколения в поколение несли своё благотворное воспитание через яркую театральность, через единение с временами года, с природой – все оказались под запретом. Честняков очень огорчался в связи с потерей этих прекрасных церковных и языческих праздников. «Эх, малолеточек жалко!», — восклицал он.

Завёл он себе тачку, в ней возил костюмы и игрушки, маски, свистульки, гармошки. Приходил в какую-нибудь деревню, собирал детишек, наряжал их, раздавал им раскрашенные подсолнухи. И это весёлое шествие отправлялось по дворам с песнями: «Коляда, коляда, пришла к такому-то во двор!». Детишек награждали шаньгами, которые потом поровну делились между всеми.

Постепенно жизнь Ефима Васильевича изменилась к худшему. Мать умерла, сестра стала жить своим домом и от своей части дома в пользу сестры Ефим отказался сам. Родительский же дом отобрала новая власть. Ефима стали сторониться люди: «Молодой, красивый, а не женится. Нигде не работает, живёт в овине, картинки рисует, да с детишками забавляется!».

Вскоре его сестру обвинили в троцкизме, судили. Он очень её жалел, постоянно посылал посылки в тюрьму. Сам он жил крайне бедно. Обедал квасом с луком, томлёным в печке. Мясо и рыбу хищную не ел, от угощений часто отказывался: «Я сыт!».

Жалел всякую тварь: и комара, и клопа, и таракана. Деревья жалел: ни веточки не срубит, а ведь печку-то топить надо! И всегда у него в овине холод стоял. Люди приносили ему еду, пускали его к себе на печку погреться. Денег у него никаких не было, ведь он не служил, в колхозе не работал.

Необычное для человека поведение явно спасало Честнякова от ареста, от требования отречься от сестры, а ведь это было в порядке вещей в то время. Что взять с дурачка, с юродивого? У него ни семьи, ни работы, ни дома. О политике он говорить избегал, ни к какой организации не принадлежал, зарплату не получал, нигде и ни в чём участия  не принимал.

И жизнь и поведение Честнякова являлись протестом против лжи и обмана, против диких новых порядков. Окружающие его не понимали, но чувствовали, что он может помочь советом и часто обращались к нему с разными просьбами. Например, оказалось, что он обладает даром предвидеть будущее. Нашлось большое число свидетелей, которые утверждали, как вольно или невольно, но он угадал их судьбу, какое-либо событие, говорили, что он угадывал даже мысли.

То, что Ефим Васильевич имел хорошую голову и аналитический ум убеждает такой факт: было объявлено, что фермы будут укрупнять и сенокос на Илейно закрывают. Крестьяне обрадовались: «Вот и хорошо, не надо в такую даль ходить!». А Ефим рассердился: «Дураки вы, дураки!», поклонился до земли: «Прощай, Илейно!». Действительно, когда огромные стада стали выпускать пастись, то они не столько ели, сколько вытаптывали зелень. А мелиораторы внесли и свою губительную лепту. В результате не стало у деревни ни травы, ни земли!

Земляки Честнякова дружно уверяют, что он обладал даром исцеления. Стоило ему только дотронуться руками, как проходила любая хворь. Люди поверили в святость художника и его картины старались прикрепить поближе к иконостасу, а глиняные фигурки ставили за лампадками.

Когда Ефим умер, его гроб хотели нести все. А когда хоронили, налетели какие-то белые мотыльки и люди очень удивлялись, говорили, что это было знамение. На могилу его ходят, чтобы набрать земли, которая, говорят, исцеляет. Приходится постоянно приводить могилу в порядок, заравнивать образовавшиеся норы.

В Шаблове под горой бьёт ключ. Этот ключ очень любил Ефим Васильевич. Каждое утро он в нём умывался. Люди говорят, что там ему являлась Богородица. Рядом с ключом сделана скамейка, на которой люди оставляют цветы и полотенца в качестве подношения за целебную воду. После смерти Честнякова люди назвали ключ Ефимовым ключом.

А вот небольшая подборка картин удивительного художника Ефима Васильевича Честнякова:

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Вано Ходжабегов прожил трудную жизнь бедняка, отягощённую большим семейством. Рано постаревший, сгорбленный, но с лёгкой походкой, он всегда носил с собой в кармане старого пиджака самодельный альбом, прошитый чёрными нитками. При любой возможности доставал карандаш или уголь и рисовал что-либо заинтересовавшее его.

Рисование было его страстью, он даже молодел в эти минуты. Рисовать часто приходилось по памяти и на случайных обрывках бумаги. В лавке у старшего брата, где Вано работал, было много бумаги, в которую завёртывали товар. Но брат, который со своей женой нещадно эксплуатировал его, злобно ругался за каждый найденный им рисунок.

Оскорбления довели терпеливого Вано до предела и он вынужден был искать другую работу. По протекции знакомого повара Вано поступает на работу в кафе «Унион» швейцаром. Дежурства по 12 часов в день очень утомляли его, болели ноги и поясница.

Бывали моменты, когда его унижали презрением и грубостью богатые посетители кафе. Но надо было терпеть, ведь дома его ждали больная жена и голодные дети.

Но среди посетителей встречались и знакомые поэты, актёры, музыканты и художники. Они одобрительно относились к его творчеству и часто приглашали его к своему столику.

Один из друзей Вано познакомил его с преподавателем живописи Николаем Васильевичем Склифосовским, который, увидев рисунки Вано, сразу зачислил его в вечерний класс.

Занятый работой Вано мог посещать художественный класс лишь 2 раза в неделю. Занимался он там бесплатно и все были приветливы с ним. Но нарисовать с натуры простой кувшин он никак не мог.

Молодые ученики с недоумением посматривали на старого человека: «Зачем же ему живопись, если он даже кувшин не может нарисовать?». Вано чувствовал, что его скоро выгонят. Вскоре учитель пригласил его на беседу.

Он объяснил, что эти уроки ему не нужны, так как живописная азбука может дать ему только умение холодного копирования натуры. Надо беречь время жизни и продолжать свои зарисовки сценок из жизни народа. Ведь несмотря на отсутствие начального образования, основные законы графики он уже знает.

У него свой стиль, своя тема. Это самое ценное в творчестве. Конечно, не плохо бы поучиться у столичных художников, но это ведь большие денежные затраты. Учитель пообещал Вано помощь в материалах и советах.

И Вано продолжал своё стихийное рисование. В кафе при малейшем затишье, когда было совсем мало посетителей, Вано доставал из кармана свой альбомчик и погружался в рисование. Твёрдо вёл он линию, не отрываясь от бумаги и как по волшебству появлялись фигуры людей, животных, завязывались сценки и кипела настоящая жизнь.

Однажды владелец кафе застал его за этим занятием. Взглянув на рисунок, возмутился: «Рисует каких-то оборванцев!». И тут же Вано был уволен «За художество»!

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Мауриц Корнелис Эшер

Эшер долго живёт в Италии, затем в Швейцарии. В 1941 году он возвращается в Нидерланды, где живёт до 1972 года. И всё его творчество подразделяют на два периода: «итальянский» и «голландский».

В ранних работах Эшера проявляется его стремление к изображению сливающихся пространственных планов. Главной темой его работ является зримое изображение двух разных измерений. Ксилография 1937 года «Натюрморт и улица». В ней комнатное пространство и уличное воспринимаются одним целым. Но разглядывая изображение, поражаешься невероятностью планов, в то же время совершенной их достоверностью.

Эшер был талантливейшим фантастом, глубоко разбирающимся в науке. В 1936 году, путешествуя вдоль берегов Испании, он сделал более 150 рисунков мозаик дворца Альгамбры и мечети в Кордове. То, что геометрические фигуры могут чередоваться в мозаике до бесконечности, поразило Эшера.

Начался новый этап в его творчестве. Он создаёт интереснейшие комбинации в своих картинах. Но Эшер одинок в своём творчестве. Вот что он писал: «Отчего никто из моих коллег-художников не интересуется фигурами, которые входят одна в другую? А ведь фигуры эти подчиняются неким вполне объективным законам, которые всякий художник мог бы использовать в своей работе!».

Его рисунки – это необычная точка зрения на обычные вещи. Жизнь бесконечно разнообразна и смысл её в познании. Эрудиция Эшера была поразительной. Его работы востребованы в научных кругах, его приглашали участвовать в конгрессах по кристаллографии, его работы ставили вопросы перед учёными, а то и отвечали на их вопросы.

Учёный Эшер или художник? Конечно же художник, но его работы уникальны прежде всего в плане мышления, в этом он не имел предшественников. Это его открытие и его феномен.

Here a SimpleViewer Flash gallery should be displayed. Click here to open the post in your browser to see the gallery.

Павел Яковлевич Пясецкий

Свои акварели Пясецкий наклеивал на длинный холст и получал своеобразные панорамы. Вообразить себе сложно: картина шириной 50 сантиметров и длиной 132 метра! Таких панорам он создал более двух десятков. Для демонстрации их художник придумал специальное приспособление, где панорама перематывалась с валика на валик перед рамой с окошком.

Такие панорамы он демонстрировал как «отчёты» на лекциях в Петербурге. Самая большая его панорама называлась «Великий Сибирский путь» — 1325 аршин (более 940 метров). В Эрмитаже сохранились 9 свитков панорам равных 850 метров. Это если смотреть, то уйдёт целый день!

Когда в 1900 году в Париже была продемонстрирована панорама Пясецкого, то она вызвала настоящую бурю восторгов. Уникальная работа была отмечена Большой Золотой медалью, а художника наградили орденом Почётного Легиона.